Visninger
Kunst er et produkt eller en proces i forsætligt at arrangere symbolske elementer på en måde, der påvirker og påvirker sanserne, følelser, og / eller intellekt. Det omfatter en bred vifte af menneskelige aktiviteter, kreationer, og udtryksformer, herunder musik, litteratur, film, fotografi, skulptur og malerier. Betydningen af kunst er udforsket i en gren af filosofien kendt som æstetik og endda discipliner som historie og psykoanalysen analysere forholdet til mennesker og generationer.
Traditionelt betegnelsen kunst blev brugt til at henvise til en færdighed eller beherskelse. Denne opfattelse ændret i løbet af romantiske periode, hvor kunsten kom til at blive betragtet som "en særlig afdeling for den menneskelige hjerne, der skal klassificeres med religion og videnskab".[1] Generelt er kunst lavet med den hensigt at stimulere tanker og følelser.
Indholdsfortegnelse |
Evaluering
Mozarabic Beatus miniature, Spanien, sent 10. århundrede.
Filosof Richard Wollheim skelnes der mellem tre metoder til at vurdere den æstetiske værdi af kunst: Realist, hvor æstetiske kvalitet er en absolut værdi uafhængigt af enhver menneskelig opfattelse, den Objektivistiske, hvorved det er også en absolut værdi, men er afhængig af almindelige menneskelige erfaringer, og den relativistiske position, hvorved det er ikke en absolut værdi, men det afhænger af, og varierer med, den menneskelige erfaring med forskellige mennesker.[2] Et objekt kan være præget af de intentioner, eller mangel på samme, af sit ophav, uanset dets tilsyneladende formål. En kop, der angiveligt kan bruges som en container, kan betragtes som kunst, hvis formål udelukkende som en udsmykning, mens et maleri kan betragtes fartøjer, hvis masse-producerede.
Kunstens væsen er blevet beskrevet af Wollheim som "en af de mest flygtige af de traditionelle problemer af den menneskelige kultur."[3] Det er blevet defineret som et middel til udtryk eller kommunikation af følelser og ideer, et middel til at udforske og værdsætter formelle elementer for deres egen skyld, og som mimesis eller repræsentation. Leo Tolstoy identificeret kunst som en anvendelse af indirekte middel til at kommunikere fra en person til en anden.[4] Benedetto Croce og RG Collingwood avancerede den idealistiske opfattelse, at kunsten udtrykker følelser, og at kunstværket derfor hovedsagelig findes i hovedet på skaberen.[5][6] Teorien om kunsten som form har sine rødder i filosofien om Immanuel Kant, og blev udviklet i begyndelsen af det tyvende århundrede af Roger Fry og Clive Bell. Kunst som mimesis eller repræsentation har dybe rødder i filosofien om Aristoteles.[4] På det seneste tænkere påvirket af Martin Heidegger har fortolket kunst som de måder, hvorpå et samfund udvikler sig et medium for selvudfoldelse og fortolkning.[7]
Definition
Kunstværker over hele verden kan fortælle historier eller blot udtryk for en æstetisk sandhed eller følelse. Panorama over Langs floden Under Qingming Festival, en 18. århundrede gengivelse af det 12. århundrede oprindelige ved Zhang Zeduan
Britannica Online definerer kunst som "anvendelse af dygtighed og fantasi i skabelsen af æstetiske objekter, miljøer eller oplevelser, der kan deles med andre." Ved denne definition af ordet, værker har kunstnerisk eksisteret i næsten lige så længe som menneskeheden: fra tidlig forhistorisk kunst til moderne kunstdog nogle teorier begrænse begrebet til moderne vestlige samfund.[8] Adorno sagde i 1970: "Det er nu taget for givet, at noget, der drejer sig om kunst kan tages for givet mere: kunst i sig selv, heller ikke kunst i forhold til helheden, og heller ikke ret til kunsten at eksistere. hverken "[9] Den første og bredeste forstand kunst er den, der har været tættest på den ældre latinske betydning, som groft kan oversættes til "færdighed" eller "håndværk". Et par eksempler, hvor denne betydning viser sig meget bredt omfatter artefakt, kunstige, kunstgreb, medicinsk kunst, og militær kunst. Men der er mange andre dagligdags brug af ordet, alle med nogle forhold til sin etymologi. 20. århundredes Rwanda flaske. Kunstneriske værker kan tjene praktiske funktioner, ud over deres dekorative værdi.
Den anden og nyere betydning af ordet kunst er som en forkortelse for kreativ kunst eller kunst. Fine art betyder, at en færdighed bliver brugt til at udtrykke kunstnerens kreativitet, eller at engagere publikum æstetiske følelser, eller at trække publikum til behandling af finere ting. Ofte, hvis dygtighed bruges i en fælles eller praktisk måde, vil folk betragter det som et håndværk i stedet for kunst. Ligeledes, hvis den færdighed bliver brugt i en kommerciel eller industriel måde, vil det blive betragtet kommerciel kunst i stedet for fin kunst. På den anden side, kunsthåndværk og design er undertiden betragtes brugskunst. Noget kunst tilhængere har argumenteret for, at forskellen mellem kunst og kunsthåndværk har mere at gøre med værdidomme fremsat om kunst end nogen klar definitoriske forskel.[10] Men selv kunst har ofte mål end ren kreativitet og selvudfoldelse. Formålet med kunstværker kan være at formidle ideer, som i politisk, åndeligt eller filosofisk motiveret kunst, til at skabe en følelse af skønhed (se æstetik), at undersøge karakteren af opfattelsesevne, for fornøjelsens skyld, eller til at generere stærke følelser. Formålet kan også være tilsyneladende ikke-eksisterende.
Kunst kan beskrive flere ting: en undersøgelse af kreative evner, en proces for at bruge kreative evner, et produkt af den kreative evner, eller publikums erfaring med kreative evner. Den kreative kunst (kunst som disciplin) er en samling af discipliner (kunst), der producerer kunstværker (kunst som objekter), der er tvunget af en personlig drevet (kunst som aktivitet) og ekko eller afspejle en besked, humør, eller symbolik for seeren at fortolke (kunsten som erfaring). Kunstværker kan defineres ved målrettet, kreative fortolkninger af grænseløs begreber eller ideer til at kommunikere noget til en anden person. Kunstværker kan udtrykkeligt til dette formål, eller fortolkes baseret på billeder eller objekter. Kunst er noget, der stimulerer den enkeltes tanker, følelser, overbevisninger, eller ideer gennem sanserne. Det er også et udtryk for en idé, og det kan tage mange forskellige former og tjene mange forskellige formål. Selv om anvendelsen af videnskabelig viden til at udlede en ny videnskabelig teori indebærer dygtighed og resultater i "skabelsen" af noget nyt, dette er videnskab alene og er ikke kategoriseret som kunst.
Historie
Uddybende artikel: kunsthistorie Venus fra Willendorf, ca 24,000-22,000 BP.
Skulpturer, hulemalerier, klippemalerier og helleristninger fra Øvre Palæolitisk dating til omkring 40.000 år siden er blevet fundet, men den præcise betydning af en sådan art er ofte bestrides, fordi så lidt er kendt om de kulturer, der har produceret dem. Den ældste kunst objekter i verden en serie af små, boret sneglehuse omkring 75.000 år gamle, blev opdaget i en sydafrikansk grotte.[11] Cave maleri af en hest fra Lascaux grotterne, c. 16.000 BP.
Mange store traditioner inden for kunst har et fundament i kunsten at et af de store gamle civilisationer: det gamle Ægypten, Mesopotamien, Persien, Indien, Kina, det antikke Grækenland, Rom, samt Inca, Maya, og Olmec. Hver af disse centre for tidlig civilisation udviklet en unik og karakteristisk stil i deres kunst. På grund af størrelsen og varigheden af disse civilisationer, flere af deres kunstværker har overlevet og flere af deres indflydelse har været transmitteret til andre kulturer og senere tider. Nogle også har givet de første optegnelser af, hvordan kunstnere har arbejdet. For eksempel, periode i græsk kunst så dette en dyrkelse af den menneskelige fysiske form og udvikling af tilsvarende kvalifikationer for at vise muskulatur, poise, skønhed og anatomisk korrekte proportioner.
I byzantinske og middelalderlige kunst i det vestlige middelalderen, meget kunst fokuseret på at give udtryk for bibelske og ikke materiale sandheder, og brugte typografier, der viste en højere usete herlighed en himmelsk verden, såsom brugen af guld i baggrunden af malerier, eller glas i mosaikker eller vinduer, som også præsenterede tal i idealiseret, mønstrede (flad) former. Ikke desto mindre en klassisk realist tradition varet i små byzantinsk værker, og realisme støt voksede i kunsten katolske Europa.
Renæssancekunst havde en stærkt øget vægt på den realistiske skildring af den materielle verden, og det sted, hvor mennesker i det, som afspejles i kropslighed af den menneskelige krop, og udvikling af en systematisk metode til grafiske perspektiv at skildre recession i en tredimensional billede plads. Den stiliserede underskrift Sultan Mahmud II af Osmanniske Rige var skrevet på arabisk kalligrafi. Det lyder Mahmud Khan søn af Abdulhamid er evigt sejrende.
I øst, islamisk kunst's afvisning af ikonografi førte til fokus på geometriske mønstre, kalligrafiog arkitektur. Længere mod øst, religion domineret kunstneriske stilarter og former også. Indien og Tibet så vægt på malede skulpturer og dans med religiøse maleri låne mange konventioner fra skulptur og en tendens til at lyse kontrast farver med vægt på konturer. Kina så mange kunstarter blomstre, jade udskæring, bronzework, keramik (herunder bedøvelse terracotta hær af kejser Qin), poesi, kalligrafi, musik, maleri, drama, fiktion osv. kinesisk stil varierer meget fra periode til periode æra og er traditionelt navngivet efter den regerende dynasti. Så for eksempel, Tang Dynasty er malerier monokromatisk og sparsomme, understreger idealiserede landskaber, men Ming dynastiet malerier er travlt, farverige, og fokusere på at fortælle historier via indstilling og sammensætning. Japan navne sin stil efter kejserlige dynastier også, og så også meget samspil mellem stilarter kalligrafi og maleri. træblok udskrivning blev vigtige i Japan efter det 17. århundrede. Maleri af Song-dynastiet kunstner Ma Lin, c. 1250. 24,8 × 25,2 cm.
Den vestlige Age of oplysningstiden i det 18. århundrede oplevede kunstneriske skildringer af fysisk og rationel visheder af urværk univers, såvel som politisk revolutionær visioner om en post-monarkistiske verden, såsom Blake's portræt af Newton som en guddommelig Geometer, eller David's propagandistiske malerier. Dette førte til Romantisk afvisninger af denne til fordel for billeder af den følelsesmæssige side og individualitet af mennesker, eksemplificeret i romaner af Goethe. Slutningen af det 19. århundrede så lidt efter et væld af kunstneriske bevægelser, såsom akademiske kunst, symbolisme, impressionisme og fauvismen blandt andre.
Historien om tyvende århundredes kunst er en fortælling om uendelige muligheder og søgen efter nye standarder, idet hver revet ned i hinanden af den næste. Således parametre Impressionisme, ekspressionisme, fauvisme, kubisme, dadaisme, surrealisme, osv. kan ikke opretholdes meget efter tidspunktet for deres opfindelse. Stigende globale samspil i denne tid oplevede en tilsvarende påvirkning af andre kulturer i vestlig kunst, såsom Pablo Picasso være påvirket af afrikansk skulptur. Japansk træblok prints (der selv havde været påvirket af vestlige Renaissance tegnekunst) havde en enorm indflydelse på impressionismen og efterfølgende udvikling. Senere skulpturer blev afrikanske taget op af Picasso og til en vis grad af Matisse. Tilsvarende vest har haft enorme konsekvenser for det østlige kunst i det 19. og 20. århundrede, med oprindelig vestlige ideer som kommunisme og Post-modernisme øve stærk indflydelse på kunstneriske stilarter.
Modernisme, den idealistiske søgen efter sandheden, veg i sidste halvdel af det 20. århundrede til en erkendelse af sine unattainability. Relativisme blev accepteret som en uundgåelig sandhed, som førte til den periode af moderne kunst og postmoderne kritik, hvor kulturer i verden og af historien ses som ændrede former, som kan blive værdsat og trukket fra kun med ironi. Desuden adskillelsen af kulturer er mere udvisket, og nogle hævder det er nu mere hensigtsmæssigt at tænke i form af en global kultur, snarere end regionale kulturer.
Karakteristika
Denne artikel har flere spørgsmål. Please help forbedre det eller diskutere disse spørgsmål på diskussionssiden.
* Det betyder ikke citere nogen referencer eller kilder. Please hjælp forbedre det ved at citere pålidelige kilder. Tagged siden januar 2010. * Det kan indeholde original forskning eller ukontrollerbare påstande. Tagged siden januar 2010. * Det lyder som en personlig refleksion eller essay. Tagged siden januar 2010.
Kunst tendens til at lette intuitivt snarere end rationel forståelse, og er normalt bevidst skabt med denne hensigt.[redigér] Fine art forsætligt tjener intet andet formål.[tvivlsomme - drøfte] Som et resultat af denne impuls, kunstværker er undvigende, brydningsindeks for forsøg på klassificering, fordi de kan blive værdsat i mere end én måde, og er ofte modtagelige for mange forskellige fortolkninger. I tilfælde af Géricault's Raft af Medusa, særlige viden om forliset, at maleriet forestiller ikke en forudsætning for at værdsætte det, men tillader opskrivning af Géricault politiske intentioner i det stykke. Selv kunst, der overfladisk skildrer en verdslig begivenhed eller et objekt, kan invitere tanker om forhøjet temaer.
Traditionelt de største præstationer af kunst udviser en høj grad af evne eller flydende i en medium. Denne egenskab kan betragtes som en stridspunkt, da mange moderne kunstnere (især, konceptuelle kunstnere) ikke selv skabe de værker, de undfange, eller ikke engang oprette arbejde i en konventionel, demonstrative forstand. Kunsten har en transformativ kapacitet: giver særligt tiltrækkende eller æstetisk tilfredsstillende strukturer eller på en original sæt uafhængige, passive komponenter. Formularer, genrer, medier og stilarter Uddybende artikel: Den kunst Udsnit af Leonardo da Vinci's Mona Lisa, der viser maleri teknik sfumato.
De kreative kunst er ofte opdelt i mere specifikke kategorier, der er relateret til deres teknik, eller medium, såsom dekorative kunst, plastisk kunst, scenekunst, eller litteratur. I modsætning til videnskabelige områder, er kunsten et af de få emner, der er fagligt organiseret i henhold til teknik [1]. En kunstnerisk medium er stoffet eller materialet det kunstneriske arbejde er lavet af, og kan også henvist til den anvendte teknik. For eksempel er maling mediet, der bruges i maleriet, papir er et medium, der anvendes i tegning.
En kunstform er den specifikke form, eller kvalitet en kunstnerisk udtryk tager. De medier, der anvendes ofte påvirker form. For eksempel udgør en skulptur skal af eksistere i rummet i tre dimensioner, og reagere på tyngdekraft. De begrænsninger og begrænsninger af et bestemt medie er derfor kaldt sin formelle kvaliteter. For at give et andet eksempel, den formelle kvaliteter maleri er på lærredet tekstur, farve og pensel tekstur. Den formelle kvaliteter af videospil er ikke-linearitet, interaktivitet og virtuelle tilstedeværelse. Den form af en særlig kunstværk er bestemt af både den formelle kvaliteter af medierne, og intentionerne af kunstneren.
En genre er et sæt af konventioner og stilarter inden for et bestemt medie. For eksempel anerkendte genrer i filmen er godt vestlige, horror og romantisk komedie. Genrer inden for musik omfatter dødsmetal og rejse hop. Genrer i maleriet omfatte stadig liv, og pastorale landskab. En særlig kunstværk kan bøje eller kombinere genrer, men hver genre har en genkendelig gruppe af konventioner, klichéer og troper. (En note: Ordet genren har en anden ældre betydning inden for maleri, genre maleri var en sætning, der anvendes i det 17. til det 19. århundrede for at henvise specifikt til malerier af scener fra hverdagen og kan stadig bruges på denne måde.) The Great Wave off Kanagawa af Hokusai (japansk, 1760-1849), farvet træsnit print.
Et kunstværk, kunstnerens eller bevægelsens stil er den særprægede metode og form, at kunst tager. Enhver løs brushy, dryppes eller hældes abstrakte maleri kaldes ekspressionistisk. Ofte disse stilarter er forbundet med en bestemt historisk periode, sæt af ideer, og særlig kunstnerisk bevægelse. Så Jackson Pollock kaldes en Abstrakt ekspressionisme.
Fordi en bestemt stil kan have en særlig kulturel betydning, er det vigtigt at være følsomme over for forskelle i teknik. Roy Lichtenstein's (1923-1997) malerier er ikke pointillist, trods hans brug af prikker, fordi de ikke er på linje med det oprindelige fortalere for Pointillism. Lichtenstein brugte Ben-Day prikker: de er jævnt fordelt og skaber flade områder af farve. Disse typer af prikker, der anvendes i halvtone trykning, blev oprindeligt brugt i tegneserier og aviser til at gengive farver. Lichtenstein således bruger prikker som en stil at sætte spørgsmålstegn ved "høj" kunsten at male med den "lave" kunst af tegneserier - at kommentere klasseskel i kultur. Lichtenstein er således forbundet med den amerikanske Pop Art bevægelse (1960). Pointillism er en teknik i slutningen af impressionisme (1880), der er udviklet specielt af kunstneren Georges Seurat, der beskæftiger prikker, der er fordelt på en måde at skabe variation i farver og dybde i et forsøg på at male billeder, der var tættere på den måde, folk virkelig se farve. Begge kunstnere bruger prikker, men den særlige stil og teknik vedrører den kunstneriske bevægelse disse kunstnere var en del af.
Disse er alle måder at begynde at definere et kunstværk, for at indsnævre den ned. "Forestil dig at du er en kunstkritiker, hvis mission er at sammenligne de betydninger du finder i en bred vifte af individuelle kunstværker. Hvordan vil du fortsætte med din opgave? En måde at starte er at undersøge de materialer, hver kunstner valgt at gøre et objekt, billede eller begivenhed. video Beslutningen om at kaste en skulptur i bronze, for eksempel, effekter uundgåeligt dets betydning, at arbejdet bliver noget anderledes fra, hvordan det kunne være, hvis det havde været støbt i guld eller plastik eller chokolade, selv hvis alt andet om illustrationer forbliver den samme. Derefter kan du undersøge, hvordan disse materialer i de enkelte kunstværker er blevet et arrangement af former, farver, teksturer, og linjer. Disse, til gengæld, er organiseret i forskellige mønstre og kompositoriske strukturer. I din fortolkning, ville du kommentere på, hvordan fremtrædende træk ved den form bidrage til den overordnede betydning af det færdige kunstværk. [Men i sidste ende] betydningen af de fleste kunstværker ... er ikke udtømt med en diskussion af materialer, teknikker og form. fleste fortolkninger også en diskussion af idéer og følelser illustrationen skaber. "[12]
Dygtighed og håndværk
Adam. Detalje fra Michelangelo's freskomaleri i Cappella Sistina (1511) Se også: Conceptual Art og kunstneriske Skill
Kunst kan associationer en følelse af uddannet evne eller beherskelse af en medium. Kunst kan også blot henvise til de udviklede og effektiv anvendelse af en sprog til at formidle meningen med umiddelbarhed og / eller dybde. Kunsten er en handling at udtrykke følelser, tanker og observationer. Der er en forståelse for, at der er indgået med det materiale, som et resultat af at håndtere det, som letter ens tankeprocesser.
En fælles opfattelse er, at tilnavnet "kunst", navnlig i forhøjet forstand, kræver en vis grad af kreative kompetencer af kunstneren, hvad enten det er en demonstration af teknisk kunnen eller en originalitet i stilistisk tilgang som i spiller i Shakespeare, eller en kombination af disse to. Traditionelt dygtighed henrettelse blev betragtet som en kvalitet uadskillelig fra kunst og dermed nødvendige for dens succes, for Leonardo da Vinci kunst, hverken mere eller mindre end hans andre bestræbelser, var en manifestation af dygtighed., Rembrandt's arbejde, nu rost for sin flygtige dyder, var mest beundret af sine samtidige for sin virtuositet. Ved begyndelsen af det 20. århundrede, behændig opførelser af John Singer Sargent var skiftevis beundret og set med skepsis for deres håndbog flydende, men på næsten samme tid den kunstner, der ville blive den tids mest anerkendte og mobile billedstormer, Pablo Picasso, blev færdiggøre en traditionel akademisk uddannelse, hvor han udmærkede.
En fælles nutidig kritik af nogle moderne kunst opstår i lighed med indsigelse mod den tilsyneladende manglende evner eller evne, der kræves i produktionen af den kunstneriske objekt. I konceptkunst, Marcel Duchamp's "Fountain" er blandt de første eksempler på stykker, hvori kunstneren anvendte fundne objekter ("ready-made") og udnyttes traditionelt anerkendt sæt af færdigheder. Tracey Emin's My Bed, eller Damien Hirst's det er fysisk umuligt Døden i erindringen hos nogen, som bor følge dette eksempel og også manipulere massemedierne. Emin sovet (og engageret i andre aktiviteter) i sin seng, før du placerer resultatet i et galleri som kunstværk. Hirst kom op med den konceptuelle design for illustrationen, men har forladt det meste af en eventuel etablering af mange værker på arbejdstagere håndværkere. Hirsts berømthed er baseret udelukkende på hans evne til at producere chokerende begreber. Den faktiske produktion i mange konceptuelle og moderne kunstværker er et spørgsmål om samling af fundne genstande. Men der er mange modernistiske og nutidige kunstnere, der fortsætter med at udmærke sig i de færdigheder af at tegne og male og skabe hænder på kunstværker. Værdidom Aboriginal hule log grave. National Gallery, Canberra, Australien. Dette afsnit kan herreløse fra emnet for artiklen i emnet en anden artikel, Art_ (flertydig). Please help forbedre denne sektion , eller drøfte dette spørgsmål på diskussionssiden.
Noget i forhold til ovenstående, at ordet kunst bruges også til at gælde domme af værdi, som i disse udtryk som "at måltid var et kunstværk" (kokken er en kunstner), eller "kunsten at bedrag", ( den meget nået niveauet for dygtighed af Bedrageren er rost). Det er denne brug af ordet som et mål for høj kvalitet og høj værdi, som giver udtrykket sin smag af subjektivitet.
Gør Værdidomme kræver et grundlag for kritik. På den enkleste plan, vejen til et afgøre, om virkningen af objekt på sanserne opfylder kriterierne for at være kunst , er, om det opfattes som tiltrækkende eller frastødende. Selvom opfattelsen altid er farvet af erfaring, og er nødvendigvis subjektiv, er det almindeligt antages, at - at hvad der ikke er en eller anden måde æstetisk tilfredsstillende, kan ikke være kunst. Men "god" kunst er ikke altid eller engang regelmæssigt æstetisk tiltalende for et flertal af seerne. Med andre ord, kunstnerens primære motivation skal en ikke være udøvelse af det æstetiske. Også, kunst ofte skildrer frygtelige billeder lavet til social, moralsk eller tankevækkende årsager. For eksempel, Francisco Goyamaleri forestillende »den spanske skyderiet af 3 maj 1808 er en grafisk afbildning af en henrettelsespeloton fuldbyrdende flere indlæg civile. Men på samme tid, gruopvækkende billeder viser Goya's ivrige kunstneriske evne i komposition og udførelse, og producerer montering sociale og politiske harme. Således debatten fortsætter, hvad form for æstetisk tilfredsstillelse, hvis nogen, er forpligtet til at definere 'kunst'.
Antagelsen om nye værdier eller oprør mod accepterede opfattelser af, hvad der er æstetisk overlegen behøver ikke at forekomme samtidig med en fuldstændig opgivelse af udøvelse af, hvad der er æstetisk tiltalende. Ja, det modsatte er ofte tilfældet, at revisionen af, hvad der er populært opfattes som værende æstetisk tiltalende giver mulighed for en fornyet styrke det æstetiske følsomhed, og en ny forståelse for de standarder for kunsten. Utallige skoler har foreslået deres egne måder at definere kvalitet, men de alle synes at være enige i mindst ét punkt: når deres æstetiske valg er godkendt, værdien af kunstværket er bestemt af dets evne til at overskride grænserne for sin valgte medium til at strejke nogle universelle akkord ved sjældenhed dygtighed af kunstneren eller i sin nøjagtige refleksion i det såkaldte tidsånd. Kommunikation
Denne artikel har flere spørgsmål. Please help forbedre det eller diskutere disse spørgsmål på diskussionssiden.
* Det betyder ikke citere nogen referencer eller kilder. Please hjælp forbedre det ved at citere pålidelige kilder. Tagged siden januar 2010. * Det kan indeholde original forskning eller ukontrollerbare påstande. Tagged siden januar 2010. * Det lyder som en personlig refleksion eller essay. Tagged siden januar 2010.
Kunst er ofte beregnet til at klage og i forbindelse med menneskelige følelser. Det kan vække æstetiske eller moralske følelser, og kan forstås som en måde at kommunikere disse følelser. Kunstnere udtrykke noget, så deres publikum er vækket til en vis grad, men de behøver ikke at gøre det bevidst. Kunst udforsker hvad der er almindeligt betegnes som den menneskelige tilstand, det er det væsentlige, hvad det er at være menneske. Effektiv kunst ofte medfører nogle nye indsigt i den menneskelige tilstand enten alene eller i massevis, hvilket ikke nødvendigvis altid positiv, eller nødvendigvis udvider grænserne for kollektiv menneskelig evne. Den grad af færdighed, som kunstneren er, vil påvirke deres evne til at udløse en følelsesmæssig reaktion og dermed give ny indsigt, evnen til at manipulere dem efter forgodtbefindende, viser eksemplarisk dygtighed og beslutsomhed. Formålet med kunst En Navajo tæppe lavet c. 1880.
Kunsten har haft et stort antal forskellige funktioner gennem hele sin historie, hvilket gør dens formål vanskeligt at abstrakte eller kvantificere til en enkelt koncept. Dette betyder ikke, at formålet med Art er "vage", men at det har haft mange unikke, forskellige grunde til at blive oprettet. Nogle af disse funktioner for Kunst findes i følgende skitse. De forskellige formål af kunst kan grupperes efter til dem, der er ikke-motiverede, og dem, der er motiverede (Levi-Strauss). Ikke-motiverede funktioner af kunst
De ikke-motiverede formål af kunst er dem, der er en integrerende del at være menneske, transcenderer den enkelte, eller ikke opfylder en bestemt ekstern formål. Aristoteles sagde: "Imitation, så er en instinkt af vores natur." [13] I den forstand, kunst, kreativitet, er noget mennesker skal gøre af deres natur (dvs. ingen andre arter skaber kunst), og er derfor uden nytte.
1. Basale menneskelige instinkt for harmoni, balance, rytme. Kunst på dette niveau er ikke en handling eller et objekt, men en intern vurdering af balance og harmoni (skønhed), og derfor et aspekt af at være menneske uden nytte.
"Imitation er altså en instinkt af vores natur. Dernæst er der instinkt for 'harmoni' og rytme, lometer åbenbart dele af rytme. Personer, derfor starter med dette naturlige gave udviklet af grader deres særlige evner, indtil deres uforskammet improvisationer fødte Poetry. " -Aristoteles [14]
2. Erfaringerne med de mystiske. Art tilbyder en måde at opleve sig selv i forhold til universet. Denne erfaring kan ofte komme umotiveret, som man værdsætter kunst, musik eller poesi.
"De smukkeste ting, vi kan opleve er det mystiske. Det er kilden til al sand kunst og videnskab." -Albert Einstein [15]
3. Angivelse af fantasi. Art giver et middel til at udtrykke fantasi i ikke-grammatic måder, der ikke er bundet til den formalitet af talt eller skrevet sprog. I modsætning til ord, der kommer i sekvenser og som hver har en bestemt mening, giver kunsten en række former, symboler og ideer med betydninger, der er maleable.
"Jupiter's ørn [som et eksempel på kunst] er ikke, som logisk (æstetiske) attributter af et objekt, begrebet Højhed og majestæt skabelse, men snarere noget andet - noget, der giver fantasien et incitament til at sprede sine flyvning over en lang række slægtninge repræsentationer at fremprovokere mere tænkt end erkendt af udtryk i et begreb bestemmes af ordene. De give en æstetisk idé, der tjener de ovennævnte rationelle idé som en erstatning for logisk præsentation, men med den rette funktion, dog af animation sindet ved at åbne sig for det en udsigt til et felt af beslægtet repræsentationer strækker sig ud over sine ken. " -Immanuel Kant[16]
4. Universal kommunikation. Art tillader den enkelte at udtrykke ting mod verden som helhed.[i henhold til hvem?] Jorden kunstnere ofte skabe kunst i fjerntliggende områder, der aldrig vil blive oplevet af en anden person. Denne praksis med at placere en varde, eller bunke sten på toppen af et bjerg, er et eksempel. (Bemærk: behøver ikke foreslå et bestemt syn på Gud, eller religion. Dette) oprettet på denne måde er en form for kommunikation mellem den enkelte og verden som helhed. Art[redigér] 5. Rituelle og symbolske funktioner. I mange kulturer, er kunsten i ritualer, forestillinger og dans som en dekoration eller symbol. Selv om disse ofte ikke har nogen specifik utilitaristisk (motiverede) formål, antropologer vide, at de ofte tjener et formål på niveau med mening i en bestemt kultur. Denne betydning er ikke er leveret af en enkelt person, men er ofte et resultat af mange generationer af forandring, og en kosmologisk forholdet inden for kulturen.
"De fleste forskere, der beskæftiger sig med rock malerier eller genstande inddrives fra forhistoriske sammenhænge, der ikke kan forklares med utilitaristisk gælder umiddelbart og derfor kategoriseres som dekorative, ritual eller symbolske, er bevidste om den fælde, der er forbundet med udtrykket 'kunst'." -Silva Tomaskova[17]
Motiverede funktioner af kunst
Motiverede henblik på kunstens henvise til forsætlige, bevidste handlinger på en del af de kunstnere eller creator. Disse kan være at skabe politiske forandringer, for at kommentere et aspekt af samfundet, til at formidle en bestemt følelse eller stemning, til at behandle personlige psykologi, for at illustrere en anden disciplin, til (med kommercielle kunst) til at sælge et produkt, eller blot som en form for kommunikation.
1. Kommunikation. Kunst, på sin enkleste, er en form for kommunikation. Da de fleste former for kommunikation har en hensigt eller mål rettet mod en anden person, dette er en motiveret formål. Illustrative kunst, såsom videnskabelige illustration, er en form for kunst som kommunikation. Kort er et andet eksempel. Men, indholdet behøver ikke være videnskabelige. Følelser, stemninger og følelser er også formidles gennem kunst.
"[Kunst er et sæt af] artefakter eller billeder med symbolske betydninger som et middel til kommunikation." -Steve Mithen[18]
2. Kunst som underholdning. Kunst kan søge at skabe en bestemt følelse eller stemning, med henblik på afslappende eller underholdende beskueren. Det er ofte funktion af kunst industrier of Motion Pictures og Video Games. 3. Den Avante-Garde. Kunst til politiske forandringer. En af de afgørende funktioner begyndelsen af det tyvende århundredes kunst har været at bruge visuelle billeder til at skabe politiske forandringer. Kunstretninger, der havde dette mål-dadaisme, surrealisme, russisk konstruktivisme, og abstrakt ekspressionisme, blandt andre-er kollektivt benævnt Avante-garde kunst.
"Til gengæld realistisk attitude, inspireret af positivismen, fra Saint Thomas Aquinas til Anatole France, klart forekommer mig at være fjendtligt indstillet over for enhver intellektuel eller moralsk avancement. Jeg væmmes det, for det består af middelmådighed, had, og mat . indbildskhed Det er denne holdning, der i dag føder disse latterlige bøger, disse fornærmende spiller. Det konstant lever af og stammer styrke fra aviserne og stultifies både videnskab og kunst ved ihærdigt smigrende den laveste af smag klarheden grænser til dumhed, en hunds liv. " -André Breton (surrealisme)[19]
4. Kunst for psykologiske og helbredende formål. Art er også brugt af kunst terapeuter, psykoterapeuter og kliniske psykologer som kunstterapi. Den Diagnostic Tegning serien, for eksempel, benyttes til at bestemme personlighed og følelsesmæssige funktion hos en patient. Slutproduktet er ikke den vigtigste mål i denne sag, men snarere en proces med healing, gennem kreative handlinger, der søges. Den resulterende kunstværk kan også give indsigt i de problemer opleves af emnet og kan foreslå egnede metoder til brug i mere konventionelle former for psykiatrisk behandling.
5. Kunst for social undersøgelse, undergravende og / eller anarki. Mens der ligner kunst til politiske forandringer, eller dekonstruktivistiske kunst kan undergravende forsøge at spørgsmålet aspekter af samfundet uden nogen specifik politisk målsætning. I dette tilfælde funktion af kunst kan være blot at kritisere visse aspekter af samfundet.
Spraymaling graffiti på en væg i Rom.
Graffiti kunst og andre former for street art er grafik og billeder, der er spray-malet eller stencilleret på offentligt tilgængelige vægge, bygninger, busser, tog og broer, som regel uden tilladelse. Visse former for kunst, såsom graffiti, kan også være ulovligt, når de bryder love (i dette tilfælde hærværk).
6. Kunst for propaganda eller kommercialisering. Art er ofte udnyttes som en form for propaganda, og dermed kan bruges til at subtilt påvirke populære forestillinger eller stemning. I en lignende måde, at kunsten forsøger at sælge et produkt, har også indflydelse på humør og følelser. I begge tilfælde, med henblik på kunst her er at subtilt manipulere beskueren ind i en bestemt følelsesmæssig eller psykologisk reaktion mod en bestemt idé eller et objekt.[20]
Funktioner af kunst, der er beskrevet ovenfor, ikke udelukker hinanden, da mange af dem kan overlappe hinanden. For eksempel kan kunst med henblik på underholdning også forsøge at sælge et produkt, dvs film eller video game. Kontroversielle kunst Théodore Géricault's Raft af Medusa, C. 1820 Yderligere oplysninger: Kunst og politik
Théodore Géricault's Raft af Medusa (ca. 1820), var en social kommentar til en aktuel begivenhed, uden fortilfælde på det tidspunkt. Édouard Manet's Le déjeuner sur l'herbe (1863), blev anset for en skandale, ikke på grund af de nøgne kvinde, men fordi hun sidder ved siden af mænd fuldt påklædt i tøj af den tid, snarere end i klæder af den antikke verden. John Singer Sargent's Madame Pierre Gautreau (Fru X) (1884), har medført en enorm tumult over rødlig pink brugt til at farve kvindens øreflip, betragtes alt for suggestivt og angiveligt ødelægger høj samfundsmodel's omdømme.
I det tyvende århundrede, Pablo Picasso's Guernica (1937) brugte anholde kubistisk teknikker og skarp monokromatiske olier, at skildre den rystende konsekvenser af en moderne bombning af en lille, gamle baskiske by. Leon Golub's forhørs III (1981), skildrer en kvindelig nøgen, hætteklædte fanger fastspændt til en stol, hendes ben åben for at afsløre hendes kønsorganer, omgivet af to bødler klædt i hverdagstøj. Andres Serrano's Piss Christ (1989) er et fotografi af et krucifiks, hellig for den kristne religion og repræsenterer Kristus's offer og endelig lidelse, nedsænket i et glas af kunstnerens egen urin. Den resulterende tumult førte til bemærkninger i det amerikanske Senat om offentlig finansiering af kunst. Kunst teorier
I det nittende århundrede, var kunstnere primært beskæftiger sig med forestillinger om sandhed og skønhed. Den æstetiske teoretiker John Ruskin, der kæmpede hvad han så som naturalisme af JMW Turner, så kunstens rolle som meddelelse ved kunstgreb af en væsentlig sandhed, der kun kunne findes i naturen.[21]
Definitionen og evalueringen af kunst er blevet særlig problematisk, idet det 20. århundrede. Richard Wollheim skelnes der mellem tre tilgange: den Realist, hvor æstetiske kvalitet er en absolut værdi uafhængigt af enhver menneskelig opfattelse, den Objektivistiske, hvorved det er også en absolut værdi, men er afhængig af almindelige menneskelige erfaringer, og den relativistiske position, hvor det ikke er en absolut værdi, men det afhænger af, og varierer med, den menneskelige erfaring med forskellige mennesker.,[22]
Ankomsten af modernismen i slutningen af det nittende århundrede føre til et radikalt brud i opfattelsen af kunstens funktion,[23] , og derefter igen i slutningen af det tyvende århundrede med fremkomsten af postmodernismen. Clement Greenberg's 1960 artiklen "modernistiske maleri" definerer moderne kunst som "anvendelse af karakteristiske metoder en disciplin at kritisere disciplinen i sig selv".[24] Greenberg oprindeligt anvendt denne idé til det abstrakte ekspressionisme bevægelse og brugte det som en måde at forstå og begrunde flad (ikke-illusionistiske) abstrakte maleri:
Realistisk, havde naturalistiske kunst dissembled mellemlang, ved hjælp af kunsten at skjule kunst, modernisme brugt kunsten til at henlede opmærksomheden på kunst. De begrænsninger, der udgør mediet
maleri - den flade overflade, formen af støtte, egenskaber pigment - blev behandlet af de gamle mestre som negative faktorer, der kan erkendes kun implicit eller indirekte. Under Modernismen de samme begrænsninger kom til at blive betragtet som positive faktorer, og blev anerkendt åbent.[24]
Efter Greenberg, vigtige kunst teoretikere opstået flere, som Michael Fried, TJ Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin og Griselda Pollock blandt andre. Dog kun tænkt som en måde at forstå et bestemt sæt af kunstnere, Greenberg's definition af moderne kunst er vigtig for mange af de ideer, kunst inden for de forskellige kunstretninger i det 20. århundrede og begyndelsen af det 21. århundrede.
Popkunstnere som Andy Warhol blev både bemærkelsesværdigt og indflydelsesrige gennem arbejde, herunder og eventuelt kritisere populær kultur samt kunstverdenen. Kunstnere i 1980'erne, 1990'erne og 2000'erne udvidet denne teknik med selvkritik over høje kunst for alle kulturelle image-beslutninger, herunder mode billeder, tegneserier, billboards og pornografi. Klassificering tvister Uddybende artikel: klassifikatorisk tvister om kunst
Tvister om, hvorvidt eller ikke at klassificere noget som et kunstværk, betegnes klassifikatorisk tvister om kunst.
Klassifikatoriske tvister i det 20. århundrede har inkluderet kubistisk og impressionistiske malerier, Duchamp's Fountain, den film, Superlativ imitationer af pengesedler, Konceptkunsten, og videospil.[25]
Filosof David Novitz har fremført, at uenighed om definitionen af kunst er sjældent hjertet af problemet. Snarere, "den lidenskabelige bekymringer og interesser, at mennesker vest i deres sociale liv" er "så meget en del af alle klassifikatorisk tvister om kunst" (Novitz, 1996). Ifølge Novitz, tvister klassifikatorisk oftere tvister om den samfundsmæssige værdier, og hvor samfundet forsøger at gå, end de er om teori korrekt. For eksempel, når Daily Mail kritiserede Hirst's og Emin's arbejde ved at argumentere "tusind år kunsten har for været en af vores store civiliserende kræfter. dag, syltede får og snavsede senge risikerer at gøre barbarer os alle" de er ikke fremme en definition eller teori om kunst, men spørgsmålstegn ved værdien af Hirsts og Emin's arbejde.[26] I 1998, Arthur Dantoforeslog et tankeeksperiment viser, at "status af et artefakt som kunstværk resultater fra de ideer en kultur gælder til den, end dets iboende fysiske eller mærkbar kvaliteter. snarere Kulturel fortolkning (en kunstteori af en slags) er derfor konstituerende for et objekts arthood. "[27][28]
Anti-kunst er en betegnelse for kunst, der forsætligt udfordrer det etablerede parametre og værdier for kunst;[29] er det udtryk forbundet med dadaismen og henføres til Marcel Duchamp lige før Første Verdenskrig,[29], da han lavede kunst fra fundne objekter.[29] Et af disse, Fountain 1917), en almindelig urinal, har (opnået betydelig vægt og indflydelse på kunst.[29] Anti-kunst er en funktion af arbejdet med Situationistisk Internationale,[30] den lo-fi Mail kunst bevægelse, og Young British Artists,[29] selvom det er en form stadig afvist af Stuckists,[29] , der betegner sig som anti-anti-art.[31][32] Kunst, klasse og værdi Versailles: Louis Le Vau åbnet interiør retten til at skabe den ekspansive indgangen cour d'honneur, senere kopieret over hele Europa.
Kunst er blevet opfattet af nogle som tilhører nogle sociale klasser og ofte eksklusive andre. I denne sammenhæng, er kunsten ses som en overklasse aktivitet forbundet med rigdom, mulighed for at købe kunst, og den fritid kræves for at udøve eller nyde det. For eksempel paladser Versailles eller Hermitage i St. Petersborg med deres enorme samlinger af kunst, tjent ved fabelagtigt rige royalty af Europa eksemplificere dette synspunkt. Indsamle sådanne kunst er forbeholdt de rige, eller af regeringer og institutioner.
Fine og dyre varer har været populære markører for status i mange kulturer, og de fortsætter med at være det i dag. Der har været en kulturel skub i den anden retning mindst siden 1793, da Louvre, der havde været en privat palads Kongernes af Frankrig, blev åbnet for offentligheden som en kunstmuseum i løbet af franske revolution. De fleste moderne offentlige museer og kunst uddannelsesprogrammer for børn i skoler kan spores tilbage til denne Trang til at have kunsten tilgængelig for alle. Museer i USA synes at være gaver fra de meget rige til masserne (The Metropolitan Museum of Art i New York City, for eksempel, blev skabt af John Taylor Johnston, en jernbane udøvende hvis personlige kunstsamling seedede museet.) Men på trods af alt dette, mindst én af de vigtige funktioner af kunst i det 21. århundrede er fortsat som en markør for rigdom og social status. Ydelse ved Joseph Beuys, 1978: Alle en kunstner - På vej til libertære form af den sociale organisme.
Der har været forsøg med kunstnere til at skabe kunst, som ikke kan købes af de rige som en status objekt. Et af de vigtigste oprindelige motivationsfaktorer en stor del af kunsten i slutningen af 1960'erne og 1970'erne var at skabe kunst, der ikke kunne købes og sælges. Det er "nødvendigt at præsentere noget mere end blot objekter"[33] sagde de store efterkrigstidens tyske kunstner Joseph Beuys. Denne periode oplevede den stigende sådanne ting som performance kunst, video kunst, og konceptkunst. Ideen var, at hvis illustrationen var en præstation, der ville efterlade noget bag, eller blot var en idé, kunne det ikke købes og sælges. "Demokratisk påbud kredser omkring ideen om, at et kunstværk er en Trang råvare den æstetiske innovation, som spirede i midten af 1960'erne og blev høstet i 1970'erne. Artists bredt identificeret under overskriften Konceptkunsten ... substituere ydeevne og forlagsvirksomhed for engagementet i både de materielle og materialistiske bekymringer malet eller skulpturel form ... [har] forsøgt at underminere kunstgenstanden qua objekt. "[34]
I årtier siden, ideer har disse været noget tabt som kunstmarkedet har lært at sælge limited edition dvd'er med videoværker,[35] invitationer til eksklusive præstationer kunstværker, og de objekter tilovers fra konceptuelle stykker. Mange af disse forestillinger skabe værker, der kun forstås af eliten, der har været uddannet til, hvorfor en idé eller video eller et stykke af det synlige affald kan betragtes som kunst. Markør af status bliver forstå arbejde i stedet for nødvendigvis at eje det, og illustrationen er fortsat en overklasse aktivitet. "Med den udbredte brug af dvd-optagelse teknologi i begyndelsen af 2000'erne, kunstnere, og galleriet system, der får sin fortjeneste fra salg af kunstværker, fik et vigtigt middel til at kontrollere salget af video-og edb-kunstværker i begrænsede oplag til samlere."
