Visninger
Musik er en kunst form, hvis medie er lyd. Fælles elementer i musikken er pitch (som regulerer melodi og harmoni), rytme (og dens tilknyttede begreber tempo, målerog artikulation), dynamikog soniske kvaliteter klangfarve og tekstur. Ordet stammer fra græsk μουσική (mousike), "(kunst) i muserne. "[1]
Oprettelse, performance, betydning, og selv definitionen af musik varierer efter kultur og sociale kontekst. Musikken spænder fra strengt organiseret kompositioner (og deres fritid i ydeevne), gennem improvisationsmusik til aleatorisk former. Musik kan opdeles i genrer og undergenrer, selv om skillelinjer og relationer mellem musik genrer er ofte subtile, undertiden åbne for individuel fortolkning, og lejlighedsvis kontroversiel. Indenfor "kunst", musik kan betegnes som en scenekunst, en kunst, og auditive kunst.
For mange mennesker i mange kulturer musik er en vigtig del af deres livsstil. græske filosoffer og gamle indiske filosoffer defineret musik som ringetoner bestilles vandret melodier og vertikalt som harmonier. Fælles ordsprog som "harmoni områder" og "det er sød musik i mine ører" peger på forestillingen om, at musikken ofte er bestilt og behagelig at lytte til. Dog det 20. århundrede komponist John Cage mente, at enhver lyd kan være musik, siger for eksempel "Der er ingen støjkun lyd. "[2] musikforsker Jean-Jacques Nattiez opsummerer relativistisk, post-moderne synspunkt: "Det grænsen mellem musik og støj er altid kulturelt definerede, hvilket indebærer, at selv inden for en enkelt samfund, grænsekontrol er dette ikke altid går gennem det samme sted, kort sagt, er der sjældent en konsensus ... Af alle konti der ikke er nogen enkelt og interkulturel universelt begreb at definere, hvad musik kan være.
Indholdsfortegnelse |
Historie
Ancient musik kan kun forestillet af akademikere, der er baseret på resultater fra en række af palæolitiske lokaliteter, som f.eks ben, hvor laterale huller er blevet piercet, disse er oftest identificeret som fløjter,[4] blæst i den ene ende som de japanske shakuhachi. Instrumenter, som f.eks de syv-hul fløjte og forskellige typer af strengeinstrumenter er blevet tilbagebetalt af Induskulturen arkæologiske lokaliteter.[5] Indien har en af de ældste musikalske traditioner i verden henvisninger til klassisk indisk musik (marga) kan findes i de gamle skrifter af hinduistiske tradition, vedaerne.[6] De tidligste og største samling af forhistoriske musikinstrumenter blev fundet i Kina og dateres tilbage til mellem 7000 og 6600 f.Kr..[7]
Musik og teater lærde studere historie og antropologi af semitisk og tidlig jødisk-kristne kultur, har også opdaget fælles bånd mellem teater og musikalsk aktivitet i den klassiske kulturer hebræerne med dem, der senere kulturer grækerne og romerne. Det fælles område med resultater er fundet i et "socialt fænomen kaldet litani", en form for bøn, der består af en række påkaldelser eller bønner. The Journal of Religion og Teater bemærker, at blandt de tidligste former for Litani, "hebraisk litani var ledsaget af en rig musikalsk tradition: "[8]
"Mens Genesis 4,21 identificerer Jubal som" fader til alle som håndterer harpe og rør, "det Mosebøgerne er næsten tavs om den praksis og instruktion af musik i de tidlige liv Israel. Så i I Samuel 10, og de tekster, følger, en underlig ting sker. "Man finder i den bibelske tekst," skriver Alfred Sendrey, "en pludselig og uforklarlig stigning af store kor og orkestre, som består af grundigt organiserede og trænede musikalske grupper, som ville være næsten utænkeligt uden lange, metodiske forberedelse. "Dette har fået nogle forskere til at tro, at profeten Samuel var patriarken af en skole, der underviste ikke kun profeter og hellige mænd, men også hellig-rite musikere. Denne offentlige musikskole, måske tidligst i historien, var ikke begrænset til en præstelig klasse-som er, hvordan hyrdedrengen David vises på scenen som en sanger til kong Saul. "[8]
Antikken
Musik var en vigtig del af kulturelle og sociale liv i det antikke Grækenland: blandet køn omkvæd udført for underholdning, fest og åndelig ceremonier, musikere og sangere havde en fremtrædende rolle i den antikke græske teater.[9] I det 9. århundrede, Den Arabiske lærde al-Farabi skrev en bog om musik med titlen Kitab al-Musiqi al-Kabir ("Great Book of Music"). Han spillede og opfandt en række musikinstrumenter og udtænkt den arabiske tone system med beg organisation, som stadig bruges i arabisk musik.[10]
Vestlige kulturer
Den musik i Grækenland var en væsentlig del af antikke græske teater. I det antikke Grækenland,-køn omkvædene udføres blandet til underholdning, fest og åndelige årsager. Instrumenter, der indgår dobbelt-reed AULOS og plukkede strengeinstrument, det lyre, især den særlige type kaldet en kithara. Musik var en vigtig del af uddannelsen i det antikke Grækenland, og drengene blev undervist musik begynder i seksårsalderen. Græsk musikalske færdigheder skabt en blomstrende udvikling; græske musikteori indgår den græske musikalske tilstande, i sidste ende blev grundlaget for den vestlige religiøse musik og klassisk musik. Senere påvirkninger fra Romerriget, Østeuropa og Byzantinske Rige ændret græsk musik.
Under Middelalder musik æra (500-1400), det eneste europæiske repertoire, der overlever fra før omkring 800 er den monofoniske liturgiske plainsong af romersk-katolske kirke, den centrale tradition, som blev kaldt gregorianske sang. Sideløbende med disse traditioner hellige og kirkemusik der fandtes en levende tradition for sekulære sang. Eksempler på komponister fra denne periode er Léonin, Pérotin og Guillaume de Machaut. Fra renæssancemusik æra (1400-1600), en stor del af de overlevende musik den 14. århundredes Europa er verdsligt. Ved midten af det 15. århundrede, komponister sangere anvendes, og en glat polyfoni for hellige musikalske kompositioner. Indførelsen af kommercielle trykning bidraget til at udbrede musikalske stilarter hurtigere og på tværs af et større område. Fremtrædende komponister fra denne tid er Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley og Orlande Lassus. Allegori of Music, som Filippino Lippi
Den æra af barokmusik (1600-1750) begyndte, da de første operaer blev skrevet, og når kontrapunktiske musik blev udbredt. Tysk barok komponister skrev for små ensembler , herunder strenge, messingog træblæsere, samt kor, orgel, cembalo, og Klaveret. I løbet af barokken, større musik former var flere defineret som varede i senere perioder, hvor de blev udvidet og udviklet yderligere, herunder fuga, at opfindelsen, det sonaten, og koncerten.[11] Komponister fra barokken omfatte Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel og Georg Philipp Telemann. Musikken af den klassiske periode (1750-1800) er karakteriseret ved homophonic tekstur, ofte byder på en fremtrædende melodi med akkompagnement. Disse nye melodier tendens til at være næsten stemme-agtige og sangbare. Den nu populær instrumental musik var domineret af yderligere udvikling af musikalske former der oprindeligt er defineret i barokken: sonaten, og koncerten, med tilføjelse af den nye form, den symfoni. Joseph Haydn og Wolfgang Amadeus Mozart er blandt de centrale skikkelser i den klassiske periode.
I 1800, romantikkens (1800-1890'erne) i musik udviklede, med Ludwig van Beethoven og Franz Schubert som overgangsordning komponister der indført en mere dramatisk, udtryksfuld stil. I løbet af denne æra, genrer, former og funktioner af musik var eksisterende udviklet, og de følelsesmæssige og ekspressive kvaliteter af musik kom til at have forrang for teknik og tradition. I Beethovens tilfælde (udviklet økologisk) kom motiver til at erstatte melodi som den mest betydelige kompositoriske enhed. Slutningen af det 19. århundrede oplevede en dramatisk stigning i størrelsen af orkestret, og i rollen som koncerter som en del af byernes samfundet. Senere Romantisk komponister som Perchotin Tchaikovsky og Gustav Mahler skabt komplekse og ofte meget længere musikværker. De brugte mere komplekse akkorder og anvendes mere dissonans for at skabe dramatiske spændinger.
Klassisk musik
Klassisk indisk musik er en af de ældste musikalske traditioner i verden.[12] Den Induskulturen har skulpturer, der viser dans[13] og gamle musikinstrumenter, ligesom de syv hul fløjte. Forskellige typer af strengeinstrumenter og trommer er blevet tilbagebetalt af Harrappa og Mohenjo Daro ved udgravninger foretaget af Sir Mortimer Wheeler.[14] De Rigveda har elementer af nuværende indisk musik, med en musikalsk notation til at betegne måleren og den måde chanting.[15] klassisk indisk musik (marga) er monofoniske, og baseret på en enkelt melodi linje eller raga rytmisk organiseret gennem Talas. Hindustani musik var påvirket af den persiske resultater praksis afghanske mogulerne. Carnatic musik populær i de sydlige stater, er stort set hengivne, de fleste af sangene er rettet til de hinduistiske guder. Der er en masse sange understrege kærlighed og andre sociale spørgsmål.
Asian musik dækker musik kulturer Arabien, Centralasien, Østasien, Sydasienog Sydøstasien. kinesiske klassisk musik, den traditionelle kunst eller domstol musik i Kina, har en historie strækker sig over omkring tre tusind år. Den har sin egen unikke systemer musikalsk notation, samt musikalsk tuning og beg, musikinstrumenter og stilarter eller genrer. Kinesisk musik er pentatone-diatonisk, der har en skala af tolv notater til en oktav (5 + 7 = 12) ligesom Europa-inspirerede musik. persisk musik er musik Persien og persisk sprog lande: musiqi, videnskaben og kunsten musik , og Muzik, lyden og udførelsen af musik (Sakata 1983). Se også: Musik i Iran, musik af Afghanistan, musik Tadsjikistan, musik Usbekistan.
20. og 21. århundredes musik
Dobbelt bassist Reggie Workman, tenor saxofonist Farao Sanders, og trommeslageren Idris Muhammad udfører i 1978
Med det 20. århundrede musik, var der en stor stigning i musik som radio vundet popularitet og grammofoner blev brugt til at afspille og distribuere musik. Fokus for kunst musik var kendetegnet ved udforskning af nye rytmer, stilarter og lyde. Igor Stravinsky, Arnold Schönberg, og John Cage var alle indflydelsesrige komponister i det 20. århundredes kunst musik.
Jazz udviklet sig, og blev en væsentlig musikgenre i løbet af det 20. århundrede, og i løbet af anden halvdel af det århundrede, rockmusik gjorde det samme. Jazz er en amerikansk musical kunstart, der opstod i begyndelsen af det 20. århundrede i African American samfund i det sydlige USA fra en sammenløb af afrikansk og europæisk musik traditioner. Typografiens vestafrikanske stamtavle er tydelig i sin brug af blå notater, improvisation, polyrhythms, synkopering, og svingede notat.[16] Fra sin tidlige udvikling indtil i dag, jazz har også indarbejdet musik fra det 19. og 20. århundrede amerikansk populærmusik.[17] Jazz har fra sin tidlige 20. århundrede starten fra affødte en række undergenrer, der spænder New Orleans Dixieland (1910'erne) til 1970'erne og 1980'erne-æra jazz-rock fusion.
Rock musik er en genre af populær musik , der er udviklet i 1960'erne fra 1950'erne rock and roll, rockabilly, blues, og country musik. Lyden af rock ofte kredser om elektriske guitar eller akustisk guitar, og det bruger en stærk ryg og fik fastsat af en rytmesektion af elektriske basguitar, trommerog keyboard instrumenter såsom orgel, klaver, eller, siden 1970'erne, analoge synthesizers og digitale dem og computere siden 1990'erne. Sammen med guitaren eller keyboard, saxofon og blues-stil harmonika anvendes som solo instrumenter. I sin "reneste form," det "har tre akkorder, en stærk, insisterende tilbage beat, og en iørefaldende melodi."[18] I slutningen af 1960'erne og begyndelsen af 1970'erne, rock musik forgrenet ud i forskellige undergenrer, lige fra blues rock og jazz-rock fusion til heavy metal og punk rock, samt de mere klassiske påvirket genren progressiv rock og flere typer af eksperimenterende rock genrer.
Performance
Performance er det fysiske udtryk for musik. Ofte musikalske arbejde er et udført én gang dets struktur og instrumentering er tilfredsstillende at dens skabere, men som det bliver udført, kan det udvikle sig og ændre. En forestilling kan enten være indstuderede eller improviseret. Improvisation er en musikalsk idé skabt uden Overlæg, mens generalprøve er energisk gentagelse af en idé, indtil det har opnået samhørighed. Musikere vil undertiden tilføjer improvisation til en indøvede idé at skabe en unik præstation.
Mange kulturer omfatter stærke traditioner for solo og ydelse, som i klassisk indisk musik, og i den vestlige kunstmusik tradition. Andre kulturer, som i Bali, inkluderer stærke traditioner i gruppe ydeevne. Alle kulturer indeholder en blanding af begge dele, og ydeevnen kan variere fra improviserede solospil for ens nydelse til yderst planlagt og organiseret præstationer ritualer såsom moderne klassisk koncert, religiøse processioner, musik festivaler eller musik konkurrencer. Kammermusik, som er musik for en lille ensemble med kun et par af hver type instrument, opfattes ofte som mere intimt end symfoniske værker. Fonetiske tradition
Mange typer af musik, såsom traditionelle blues og folkemusik blev oprindeligt bevaret i hukommelsen af udøvende kunstnere, og sangene blev afsagt mundtligteller fonetisk (efter gehør). Når komponisten til musik er ikke længere kendt, musik er dette ofte klassificeret som "traditionelle". Forskellige musikalske traditioner har forskellige holdninger til, hvordan og hvor kan man foretage ændringer i den oprindelige kildemateriale, fra ret streng, til dem, at efterspørgslen improvisation eller ændringer til musikken. En kultur historie kan også være bestået ved øret gennem sang.
Ornamentik
Uddybende artikel: Ornament (musik) I en score eller på en performer musik del, angiver dette tegn på, at musikeren skal udføre en trille-en hurtig vekslen mellem to toner.
De nærmere detaljer for det på noder varierer mellem genrer og historiske perioder. Generelt kunstmusik notation fra det 17. gennem det 19. århundrede krævede kunstnere til at have en stor kontekstuel viden om udførelse af stilarter. For eksempel det 17. og 18. århundrede, i musik noteret for solister typisk angivet en simpel, prunkløst melodi. Der blev imidlertid kunstnere forventes at vide, hvordan du tilføjer stilistisk passende smykker, såsom triller og vender. I det 19. århundrede, musik for solo kunstnere kan kunst give en generel instruks, som kan spille musikken ekspressivt, uden i detaljer beskriver, hvordan den udøvende kunstner skal gøre dette. Den udøvende kunstner var forventet at vide, hvordan man bruger temposkift, accentueringog pauser (blandt andre enheder) for at få denne "udtryksfulde" præstation stil. I det 20. århundrede, noder ofte kunst blev mere eksplicitte og brugt en række mærker og anmærkninger til at oplyse udøvende kunstnere, hvordan de skal spille eller synge stykket.
I populær musik og jazz, næsten altid musik notation angiver kun de grundlæggende rammer for melodi, harmoni, eller ydelse tilgang, musikere og sangere forventes at kende præstation konventioner og stilarter forbundet med specifikke genrer og stykker. For eksempel "blypladetil en jazz melodi kan "kun angive melodien og akkordskift. De optrædende i jazz ensemble forventes at vide, hvordan man "konkretisere" dette grundlæggende struktur ved at tilføje ornamenter, improviseret musik, og akkordiske akkompagnement.
Produktion
Uddybende artikel: Musik produktion Jean-Gabriel Ferlan optrådt på en 2008 koncert på college-Lycée Saint-François Xavier
Musikken er komponeret og fremført til mange formål, lige fra æstetisk nydelse, religiøse eller ceremonielle formål, eller som en underholdning produkt til markedet. Amatør musikere komponerer og udføre musik for deres egen fornøjelse, og de får ikke deres indtægter fra musik. Professionelle musikere er ansat af en række institutioner og organisationer, herunder væbnede styrker, kirker og synagoger, symfoniorkestre, radio eller filmproduktion virksomheder, og musikskoler. Professionelle musikere til tider virke som freelancere, søge at få kontrakter og opgaver i en række forskellige indstillinger.
Der er ofte mange forbindelser mellem amatører og professionelle musikere. Begyndelsen amatør musikere tage lektioner med professionelle musikere. I fællesskab indstillinger, avanceret amatør musikere optræde med professionelle musikere i en række ensembler og orkestre. I nogle tilfælde, musikere nå amatør et professionelt kompetenceniveau, og de er i stand til at optræde i professionel ydelse indstillinger. Der skelnes ofte mellem musik fremført til fordel for et live publikum og musik, der er udført med henblik på at blive optaget og distribueret gennem musikken detail-system eller tv-system. Men der er også mange tilfælde, hvor en liveoptræden foran et publikum, bliver registreret og distribueres (eller udsendelse).
Sammensætning
Uddybende artikel: Musical sammensætning En gammel sangbog viser en komposition
"Komposition" er ofte klassificeret som oprettelse og registrering af musik via et medie, som andre kan fortolke det (dvs. på papir eller lyd). Mange kulturer bruger det mindste en del af konceptet preconceiving musikalske materiale, eller sammensætning, som blev afholdt i det vestlige klassisk musik. Selv når musikken er noteret præcist, er der stadig mange beslutninger, som en kunstner har at gøre. Processen med en performer beslutte, hvordan man udfører musik, der tidligere har været sammensat og noteret kaldes fortolkning. Forskellige kunstnere 'fortolkninger af den samme musik kan variere meget. Komponister og sangskrivere, der præsenterer deres egen musik er tolkning, lige så meget som dem, der udfører andres musik eller folkemusik. Standarden krop valg og teknikker til stede på et givet tidspunkt og et bestemt sted, kaldes opførelsespraksis, mens tolkning bruges normalt til at betyde enten individuelle valg af en performer, eller et aspekt af musik, der ikke er klare, og derfor har en "standard" fortolkning.
I nogle musikalske genrer, såsom jazz og blues, endnu mere frihed er givet til den udøvende kunstner til at deltage i improvisation på en grundlæggende melodisk, harmonisk, eller rytmiske rammer. Den største bredde er givet til den udøvende kunstner i en stil, der udfører såkaldte fri improvisation, hvilket er materiale, der er spontant "tænkt" (indbildte), mens der udføres, ikke forudfattede. Improviseret musik normalt følger stilistiske eller genre konventioner og endda "fuldt sammensat" indeholder nogle frit valgte materiale. Sammensætning har ikke altid ensbetydende brug af notation, eller de kendte eneste forfatterskab af én person. Musik kan også bestemmes ved at beskrive en "proces", der skaber musikalske lyde. Eksempler på dette område fra vindspil, via computer-programmer, der vælger lyde. Musik fra tilfældige elementer kaldes aleatorisk musik, og er forbundet med sådanne komponister som John Cage, Morton Feldmanog Witold Lutoslawski.
Musik kan være sammensat for gentages ydelse eller det kan være improviseret: sammensættes på stedet. Musikken kan udføres helt fra hukommelsen, fra en skriftlig system af musikalske notation, eller en kombination af begge. Undersøgelse af sammensætningen har traditionelt været domineret af undersøgelse af metoder og praksis i det vestlige klassisk musik, men definitionen af sammensætningen er bred nok til at omfatte spontant improviserede fungerer ligesom de free jazz kunstnere og afrikanske trommeslagere, såsom Ewe trommeslagere.
Hvad der er vigtigt i forståelsen af sammensætningen af en brik er udspecificerer dens elementer. En forståelse af musikkens formelle elementer kan være nyttig på at læse præcist, hvordan en brik er opbygget. En universel element af musik er, hvordan lyder forekomme i tid, som der henvises til som rytme af et stykke musik. Når et stykke synes at have en skiftende tid føler, anses det for at være i rubato tid, en italiensk udtryk, der indikerer, at tempoet i stykket ændringer, der passer til udtryksfulde hensigt den udøvende. Selv tilfældige placering af tilfældige lyde, der forekommer i musikalsk montage, sker inden en slags tid, og dermed anvender tid som en musikalsk element.
Notation
Uddybende artikel: Musical notation Noderne er skrevet repræsentation af musik. Dette er en homorhythmic (dvs. salme-stil) arrangement af en traditionel stykke med titlen Adeste Fideles, i standard to-personale format for blandet kor.
Notation er den skriftlige udtryk for noder og rytmer på papir ved hjælp af symboler. Når musikken er skrevet ned, pladser og rytme i musikken er noteret sammen med instruktioner om, hvordan du udfører musikken. Studiet af hvordan man kan læse notation involverer musikteori, harmoni, studiet af opførelsespraksis, og i nogle tilfælde en forståelse af historiske præstation metoder. Skrevet notation varierer med stil og periode for musik. I den vestlige kunstmusik, de mest almindelige former for skriftlig notation er de scores, som omfatter alle dele af musikken af et ensemble stykke, og dele, som er musikken notation for den enkelte udøvende kunstnere eller sangere. I populær musik, jazz og blues, standard nodeskrift er den ledende plader, som notates melodien, akkorder, sangtekster (hvis det er en vokal stykke), og opbygningen af den musik. Scores og dele bruges også i populær musik og jazz, især i store ensembler som jazz "big bands."
I populær musik, guitaristerne og elektrisk bas ofte spillere at læse musik noteret i tabulatur (ofte forkortet som "tab"), der angiver placeringen af noter, der skal spilles på instrumentet ved hjælp af et diagram af guitar eller bas gribebrættet. Tabulature blev også brugt i barokstil at notere musik til lut, et strengespil, udskåret instrument. Noteret musik er produceret som noder. For at udføre musik fra notation kræver en forståelse af både rytmiske og pitch elementer indeholdt i de symboler og den opførelsespraksis, der er forbundet med et stykke musik eller en genre.
Improvisation
Musikalsk improvisation er oprettelsen af spontane musik. Improvisation er ofte betragtes som en handling af momentan sammensætning af udøvende kunstnere, hvor kompositionsteknikker er ansat med eller uden forberedelse. Improvisation er en vigtig del af visse typer musik, såsom blues, jazz, og jazz fusion, hvor instrumentale kunstnere improvisere soloer og melodilinjer. I den vestlige kunstmusik tradition, var improvisation en vigtig færdighed i barokstil og under den klassiske æra, solister og sangere improviserede virtuose kadencer under koncerter. Men i det 20. og 21. århundrede spillede improvisation en mindre rolle i vestlig kunstmusik.
Teori
Uddybende artikel: musikteori
Musikteori omfatter arten og mekanik af musik. Det indebærer ofte at identificere mønstre, der styrer komponister »teknik og undersøge sproget og notation af musik. I en storslået måde, teori distills musik og analyserer parametre eller elementer af musik - rytme, harmoni (harmonisk funktion), melodi, struktur, form, og tekstur. Bredt teori kan musikken omfatte ethvert udsagn, tro eller forestilling om eller om musik.[19] Personer, der studerer disse egenskaber er kendt som musik teoretikere. Nogle har anvendt akustik, menneskets fysiologi, og psykologi til forklaring på, hvordan og hvorfor musik er opfattet. Musik har mange forskellige nøgletal eller elementer. Disse er, men er ikke begrænset til: pitch, beat eller puls, rytme, melodi, harmoni, tekstur, tildeling af stemmer, klangfarve eller farve, ekspressive kvaliteter (dynamik og artikulation), og form eller struktur.
Pitch er en subjektiv fornemmelse, som afspejler generelt lowness eller Høihed af en lyd. Rhythm er arrangement af lyde og tavsheder i tiden. Meter animerer gang i regelmæssig puls grupperinger, kaldet foranstaltninger eller barer. En melodi er en række notater klingende i træk. Referaterne af en melodi er typisk lavet med hensyn til pitch systemer såsom vægte eller tilstande. Harmony er studiet af lodrette klanglige i musik. Lodret klang refererer til at overveje forholdet mellem standpladser, der optræder samtidigt, så betyder dette på samme tid, selv om harmoni også kan være underforstået ved at en melodi, der skitserer en harmonisk struktur. Noter kan arrangeres i forskellige skalaer og tilstande. Vestlig musikteori generelt deler oktaven i en række på 12 noter, som kunne indgå i et stykke musik. I musik skrevet ved hjælp af systemet for større mindre tonalitet, de vigtigste et stykke bestemmer af skalaen bruges. Musical tekstur er den overordnede lyden af et stykke musik ofte beskrives i forhold til antallet af og forholdet mellem dele eller linjer af musik: monofoni, heterofoni, polyfoni, homofoni, eller monody.
Klangfarve, undertiden kaldet "Color" eller "Tone Color" er kvaliteten eller lyden af en stemme eller instrument.[20] Expressive kvaliteter er de elementer i musik, der skaber forandring i musikken, der ikke er relateret til tonehøjde, rytme eller klangfarve. De omfatter dynamik og artikulation. Form er en facet af musikteori, der udforsker begrebet musikalsk syntaks, på lokalt og globalt plan. Eksempler på almindelige former for vestlig musik omfatter Fuga, den opfindelse, sonaten-Allegro, canon, strofiske, tema og variationer, og Rondo. Populære Musik ofte gør brug af strofiske form ofte i samarbejde med Tolv bar blues. Analyse er bestræbelserne på at beskrive og forklare musik.
Kognition
Yderligere oplysninger: Høring (forstand) og Psykoakustik En kammermusik bestående af strengeinstrumenter instrument spillere, en fløjtenist, og en cembalist udfører i Salzburg
Feltet af musik kognition omfatter undersøgelse af mange aspekter af musik, herunder hvordan det er behandlet af lyttere. Snarere end at acceptere den standard praksis at analysere, komponere og udføre musik som en given, meget forskning i musik kognition søger i stedet at afdække de mentale processer, der ligger bag denne praksis. Også forskning inden for området har til formål at afdække fællestræk mellem de musikalske traditioner forskellige kulturer og mulige kognitive "begrænsninger", der begrænser disse musikalske systemer. Spørgsmål vedrørende musikalske innateness, og følelsesmæssige reaktioner på musik er også store områder af forskning på området.
Døve mennesker kan opleve musik ved at føle vibrationerne i deres krop, en proces, der kan øges, hvis den enkelte har en resonant, hule objekt. Et velkendt døve musiker er komponisten Ludwig van Beethoven, som komponerede mange berømte værker, selv efter at han havde fuldstændig mistet sin hørelse.[tvivlsomme - drøfte] Aktuelle eksempler på døve musikere omfatter Evelyn Glennie, en meget anerkendt percussionist , der har været døv siden alder tolv, og Chris Buck, en virtuos violinist , der har mistet sin hørelse. Dette er relevant, fordi den viser, at musik er en dybere kognitiv proces, end ureflekteret sætninger såsom "en fryd for øret" antyder. Meget forskning i musik kognition har til formål at afdække disse komplekse mentale processer involveret i at lytte til musik, som kan synes intuitivt enkle, men alligevel er langt indviklede og komplekse.
Sociologi
Dette Song-dynastiet (960-1279) maleri med titlen "Night Revels af Han Xizai," viser kinesiske musikere underholder gæsterne ved en fest i en 10. århundrede husstand.
Musik opleves af enkeltpersoner i en række sociale indstillinger fra at være alene til at deltage i en stor koncert. Musikalske forestillinger antage forskellige former i forskellige kulturer og socioøkonomiske miljøer. I Europa og Nordamerika, er der ofte en kløft mellem hvilke typer af musik betragtes som en "højkultur"og"lavkultur. " "High kultur" typer af musik omfatter typisk vestlig kunst musik såsom barok, klassisk, romantisk, og moderne æra symfonier, koncerter og soloværker, og er typisk høres i formel koncerter i koncertsale og kirker, med publikum sidde stille i sæder.
Andre typer af musik, inklusive, men ikke begrænset til, jazz, blues, soul, og landet-er ofte udført i barer, natklubber og teatre, hvor publikum kan være i stand til at drikke, danse og udtrykke sig ved jubel. Indtil den senere 20. århundrede, opdeling mellem "høj" og "lav" musikalske former blev bredt accepteret som en gyldig sondring, som udskilles bedre kvalitet, mere avanceret "kunstmusik" fra den populære stilarter af musik hørt i barer og dansesteder.
Men i 1980'erne og 1990'erne, musikologer studere dette opfattes kløft mellem "høj" og "lav" musikalske genrer fremført, at denne sondring ikke er baseret på den musikalske værdi eller kvalitet af de forskellige typer af musik.[redigér] snarere de hævdede, at denne skelnen var i stor udstrækning baseret på samfundsøkonomien stående eller social klasse af de optrædende eller publikum af de forskellige typer af musik.[redigér] For eksempel, mens publikum for Klassisk symfonikoncerter har typisk over-gennemsnitlige indkomster, publikum for en rap koncert i en indre by kan have indkomster under gennemsnittet. Selv om de kunstnere, publikum, eller sted, hvor ikke-"kunst" musik er udført, kan have en lavere socioøkonomisk status, den musik, der udføres, såsom blues, rap, punk, funk, eller ska kan være meget komplekse og sofistikerede.
Når komponister indføre stilarter af musik, der bryder med konventionen, kan der være en stærk modstand fra akademisk musik eksperter og folkelig kultur. Sen-perioden Beethoven strygekvartetter, Stravinsky ballet scoringer, serialisme, Bebop-æra jazz, hip hop, punk rock, og electronica er alle blevet betragtet som ikke-musik, som nogle kritikere, da de først blev indført.[redigér] Sådanne temaer er undersøgt i sociologi af musik. Den sociologiske undersøgelse af musik, også kaldet sociomusicology, er ofte forfølges i departementerne sociologi, medievidenskab, eller musik, og er tæt knyttet til området musiketnologi. Medier og teknologi Yderligere oplysninger: Computer musik En 12-tommer (30-cm) 331/3 rpm record (til venstre), en 7-tommer 45 rpm record (til højre), der begge analog lyd medier til opbevaring, og en CD (ovenfor), et digitalt medie.
Den musik, komponister gør kan høres gennem flere medier, den mest traditionelle måde er at høre det live, i tilstedeværelse, eller som en af musikerne. Levende musik kan også udsendes over radio, tv eller internettet. Nogle musikalske stilarter fokuserer på at producere en lyd til en præstation, mens andre fokuserer på at producere en optagelse, der blander sammen lyde, der aldrig blev spillet "live". Optagelse, selv om det væsentlige lever stilarter, bruger ofte mulighed for at redigere og splejse til at producere betragtes indspilninger bedre end de faktiske resultater.
Som taler billeder dukkede op i begyndelsen af det 20. århundrede, med deres indspillede musikalske spor, et stigende antal moviehouse orkestermusikere fundet sig ud af arbejdet.[21] I løbet af 1920'erne levende musik præstationer af orkestre, pianister, og teater organister var almindelige i første omgang -run teatre.[22] Med den kommende af de talende film, fremhævede forestillinger var disse stort set elimineret. Den amerikanske sammenslutning af musikere (AFM) tog avisannoncer protesterer udskiftning af levende musikere med mekaniske spille enheder. Et 1929 annonce, der dukkede op i Pittsburgh Press ses et billede af en dåse mærket "dåse Musik / Big Noise Brand / Garanteret ikke producere intellektuelle eller følelsesmæssige reaktion Uanset"[23]
Da en lovgivning indført for at hjælpe med at beskytte kunstnere, komponister, forlæggere og producenter, herunder Audio Home Recording Act af 1992 i USA, og fra 1979 reviderede Bernerkonventionen til værn for litterære og kunstneriske værker i Det Forenede Kongerige, optagelser og live-optrædener er også blevet mere tilgængelige via computere, enheder og internettet i en form, der er almindeligt kendt som Music-On-Demand.
I mange kulturer er der mindre forskel mellem at varetage og lytte til musik, da næsten alle er involveret i en form for musikalsk aktivitet, ofte kommunale. I de industrialiserede lande, musik lytter til via en indspillet form, såsom lydoptagelser eller ser en musikvideo, blev mere udbredt end oplever liveoptræden, groft i midten af det 20. århundrede.
Nogle gange, forestillinger optage levende optagede lyde. For eksempel kan en jockey disk bruger optager disken for ridser, og nogle 20. århundrede værker har en solo for et instrument eller stemme, der udføres sammen med musik, der er optagede på et bånd. Computere og mange tastaturer kan programmeres til at producere og spille Musical Instrument Digital Interface (MIDI) musik. Publikum kan også blive udøvende kunstnere ved at deltage i karaoke, en aktivitet af japansk oprindelse centreret om en enhed, der afspiller voice-elimineret versioner af kendte sange. De fleste karaoke maskiner har også videoskærme, der viser tekster til sange, der udføres; kunstnere kan følge sangteksten, da de synger over de instrumentale numre. Internet
Fremkomsten af internettet har ændret oplevelse af musikken, dels gennem den øgede let adgang til musik, og den øgede valgmuligheder. Chris Andersoni sin bog The Long Tail: Hvorfor fremtid Business er sælge mindre af mere, antyder, at mens den økonomiske model for udbud og efterspørgsel beskriver knaphed, internettet detailhandel model er baseret på overflod. digital lagring omkostninger er lave, så en virksomhed kan tillade sig at gøre hele sin beholdning til rådighed online, som giver kunderne mange valgmuligheder som muligt. Det er dermed blevet økonomisk rentabelt at tilbyde produkter, som meget få mennesker er interesseret i. Forbrugernes stigende bevidsthed om deres øgede valgmuligheder resulterer i en tættere sammenhæng mellem at lytte smag og social identitet, og oprettelsen af tusindvis af nichemarkeder.[24]
En anden virkning af internettet opstår med online communities som YouTube og MySpace. MySpace har gjort social networking med andre musikere lettere, og i høj grad letter fordelingen af ens musik. YouTube har også et stort fællesskab af både amatører og professionelle musikere, der lægger videoer og kommentarer.[redigér] professionelle musikere også bruge YouTube som en fri udgiver af reklamemateriale. YouTube-brugere, for eksempel, ikke længere kun downloade og lytte til MP3, men også aktivt skaber deres egne. Ifølge Don Tapscott og Anthony D. Williams, i deres bog Wikinomics, har der været et skift fra en traditionel forbruger rolle, hvad de kalder en "Prosumer"rolle, en forbruger, der både skaber og forbruger. Manifestationer af denne i musik omfatter produktionen af purerer, remixesog musikvideoer af fans.[25] Business Uddybende artikel: Musik industri
Musikindustrien refererer til erhvervslivet industrien i forbindelse med oprettelse og salg af musik. Den består af pladeselskaber, labels og udgivere at distribuere optaget musik produkter internationalt, og at ofte kontrollere rettighederne til disse produkter. Nogle pladeselskaber er "uafhængige", mens andre er datterselskaber af større selskaber eller internationale mediekoncerner. I 2000'erne, eller computere, og for handel musik på fildeling websteder eller købe det online i form af digitale filer den stigende popularitet for at lytte til musik som digitale musikfiler på MP3-afspillere, iPods, havde en stor indflydelse på den traditionelle musik forretning. Mange mindre uafhængige CD butikker gik ud af markedet som musik købere faldt deres indkøb af cd'er, og mange mærker havde en lavere salg af cd'er. Nogle virksomheder klarede sig godt med skiftet til et digitalt format, men som Apples iTunes, en online-butik, der sælger digitale filer af sange over internettet. Uddannelse Ikke-professionelle Uddybende artikel: Musik undervisning En Suzuki violin betragtning med studerende i forskellige aldre.
Indarbejdelse af musik uddannelse fra børnehaveklasse til videregående uddannelse er udbredt i Nordamerika og Europa. Involvering i musik er tænkt til at undervise i grundlæggende færdigheder såsom koncentration, tælle, lytte, og samarbejdet samtidig fremme forståelsen af sproget, forbedre evnen til at huske informationer, og skabe et miljø, mere fremmende for læring i andre områder.[26] I elementære skoler, børn ofte lærer at spille instrumenter som optageren, synge i små kor, og lære om historien vestlige kunstmusik. I gymnasier studerende kan få mulighed for at udføre nogle typer af musikensembler, såsom kor, marchorkestre, koncert bands, jazz bands, eller orkestre, og i nogle skolesystemer, klasser, kan musik være til rådighed. Nogle studerende tager også private musikundervisning med en lærer. Amatør musikere tager typisk at lære musikalske ansatser og nybegynder-til mellemaktivt musikalske teknikker.
På universitetet niveau, studerende i de fleste kunst og humanistiske kan programmer modtage kredit for at tage musik kurser, der typisk ske i form af en oversigt over kursus på musikhistorien, eller en musikforståelse kursus, der fokuserer på at lytte til musik og lære om forskellige musikalske stilarter. Hertil kommer, nordamerikanske og europæiske universiteter har de fleste en vis form for musikensembler, at ikke-musikstuderende er i stand til at deltage i, såsom kor, marchorkestre, eller orkestre. Studiet af vestlig kunst musik er mere og mere udbredt uden for Nordamerika og Europa, såsom indonesiske Institute of the Arts i Yogyakarta, Indonesien, eller den klassiske musikprogrammer, der er tilgængelige i asiatiske lande som Sydkorea, Japan og Kina. Samtidig, universiteter og gymnasier er vestlige udvide deres pensum til at omfatte musik af ikke-vestlige kulturer, såsom musik i Afrika eller Bali (f.eks gamelan musik). Academia
Musikvidenskab er studiet af genstanden for musikken. De tidligste definitioner defineret tre sub-discipliner: systematisk musikvidenskab, historiske musikvidenskab, og sammenlignende musikvidenskab eller musiketnologi. I nutidens stipendium, er en større sandsynlighed for at støde på en opdeling af disciplinen i musikteori, musikhistorie, og musiketnologi. Forskning i musikvidenskab er ofte blevet beriget med tværfagligt arbejde, for eksempel inden for psykoakustik. Studiet af musik af ikke-vestlige kulturer, og de kulturelle studiet af musik, kaldes musiketnologi. Studerende kan forfølge bachelor studiet af musikvidenskab, musiketnologi, musikhistorie, og musikteori gennem flere forskellige typer af uddannelser, herunder en B. Mus, en BA med koncentration inden for musik, en BA med udmærkelse i musik, eller en BA i musikhistorien og Litteratur. Kandidater af bachelorstuderende musikprogrammer kan gå videre til yderligere undersøgelse i musik kandidatuddannelser.
Kandidat grader omfatter Master of Music, den Master of Arts, den dr.phil (ph.d.) (f.eks i musikvidenskab eller musikteori), og på det seneste, dr Musical Arts, eller DMA. Master of Music grad, der tager 1-2 år at gennemføre, er typisk tildeles studerende, der læser udførelsen af et instrument, uddannelse, stemme eller sammensætning. Master of Arts, som tager 1-2 år at gennemføre og kræver ofte en afhandling, er typisk tildeles studerende, der læser musikvidenskab, musikhistorie, eller musikteori. Undergraduate universitetsgrader i musik, herunder Bachelor of Music, professionsbachelor i musikundervisning, og Bachelor of Arts (med en større i musik) tager typisk tre til fem år at gennemføre. Disse grader give de studerende en grundlæggende indføring i musikteori og musikhistorie, og mange studerende også studere et instrument eller lære sangteknik som en del af deres program.
Ph.d., som er nødvendig for studerende, der ønsker at arbejde som universitetsprofessorer i musikvidenskab, musikhistorie, eller musikteori, tager 3-5 års studier efter kandidateksamen, i hvilket tidsrum den studerende vil gennemføre avancerede kurser og gennemføre forskning til en afhandling. Den DMAis en relativt ny uddannelse, som blev oprettet for at give en credential for professionelle kunstnere eller komponister, der ønsker at arbejde som universitetsprofessorer i musikalsk præstation eller sammensætning. DMA tager tre til fem år efter en kandidatuddannelse, og omfatter avancerede kurser, projekter og forestillinger. I middelalderen, undersøgelse af musik var en af de Quadrivium af de syv Liberal Arts og anses for afgørende for højere uddannelse. Inden for de kvantitative Quadrivium, musik, eller mere præcist overtoner, var studiet af rationelle proportioner.
Zoomusicology er studiet af musik af ikke-menneskelige dyr, eller den musikalske aspekter af lyde produceres af ikke-menneskelige dyr. Som George Herzog (1941) spurgte: "Har dyrene har musik?" François-Bernard Mâche's Musique, mythe, natur, ou les Dauphins d'Arion (1983), en undersøgelse af "ornitho-musikvidenskab" ved hjælp af en teknik, Nicolas Ruwet's Sprog, Musique, poésie (1972) paradigmatiske segmentering analyse, viser, at fuglenes sang er organiseret i henhold til en gentagelse-transformation princippet. Jean-Jacques Nattiez (1990), hævder, at "i sidste ende er det et menneske, der beslutter, hvad der er og ikke er musikalsk, selvom lyden ikke er af menneskelig oprindelse. Hvis vi anerkender, at lyden ikke er organiseret og udformet (der er gjort for at danne musik) blot ved dets producent, men af sindet, som opfatter det, musik så er entydigt menneskelig. "
Musikteori er studiet af musik, generelt i en meget teknisk måde uden for andre discipliner. Mere generelt henvises der til enhver undersøgelse af musik, som regel forbundet i en eller anden form med sammensætning bekymringer, og kan omfatte matematik, fysik, og antropologi. Hvad er mest almindeligt undervises i begyndelsen musikteori klasser retningslinjer til at skrive i stil med den fælles praksis periode, eller tonal musik. Teori, selv af musik af den fælles praksis periode, kan antage mange andre former. Musical mængdelære er anvendelsen af matematiske mængdelære til musik, først anvendt på atonal musik. Spekulativ musikteori, i modsætning til analytisk musikteori, er afsat til analyse og syntese af musik materialer, f.eks tuning systemer, generelt som forberedelse til komposition. Musiketnologi Uddybende artikel: musiketnologi Musiketnolog Frances Densmore optagelse Blackfoot chef Mountain Chief for Bureau of American Etnologi (1916)
Musiketnologi
I Vesten, af historien om musik, der undervises beskæftiger sig med den vestlige civilisation kunst musik. Meget Historien om musik i andre kulturer ("verdensmusik"eller inden for" musiketnologi ") er også undervises i vestlige universiteter. Dette omfatter de dokumenterede klassiske traditioner asiatiske lande uden for indflydelse i Vesteuropa, samt folkemusik eller oprindelige musik af forskellige andre kulturer. Populære stilarter af musik varierede meget fra kultur til kultur, og fra periode til periode. Forskellige kulturer understregede forskellige instrumenter, eller teknikker, eller bruger til musik. Musik er blevet brugt ikke kun til underholdning, til ceremonier, og af praktiske og kunstneriske kommunikation, men også for propaganda.
Der er et væld af musik klassifikationer, hvoraf mange er fanget i diskussionen om definitionen af musik. Blandt de største af disse er opdelingen mellem klassisk musik (eller "kunst" musik), og populær musik (eller kommerciel musik - herunder rock musik, country musik, og pop musik). Nogle genrer passer ikke pænt ind i en af disse "store to" klassifikationer (f.eks folkemusik, verdensmusik, eller jazz musik).
Som verdens kulturer er kommet ind i en større kontakt, oprindelige musikalske stilarter har deres ofte flettes ind i nye stilarter. For eksempel, USA bluegrass indeholder stil elementer fra Anglo-irsk, skotsk, irsk, tysk og afrikanske instrumentale og vokale traditioner, som var i stand til at smelte i USA's multietniske samfund. Genrer af musik er bestemt lige så meget af tradition og præsentation som af den faktiske musik. Nogle værker, som George Gershwin's Rhapsody in Blue, der kræves af både jazz og klassisk musik, mens Gershwins Porgy og Bess og Leonard Bernstein's West Side Story er angiveligt både opera og Broadway musical tradition. Mange af de nuværende musikfestivaler fejre en bestemt musikalsk genre.
Indisk musik, for eksempel, er en af de ældste og længst levende former for musik, og er stadig i vid udstrækning hørt og udført i det sydlige Asien, såvel som internationalt (især siden 1960'erne). Indisk musik har hovedsagelig tre former for klassisk musik, Hindustani, Carnatic, og Dhrupad stilarter. Det har også et stort repertoire af stilarter, som kun indebærer percussion musik såsom talavadya forestillinger berømt i det sydlige Indien.
Musikterapi
Uddybende artikel: Musikterapi
Musikterapi er en interpersonelle proces, hvor terapeut bruger musik og alle dets facetter-fysiske, følelsesmæssige, mentale, sociale, æstetiske, og åndelige-at hjælpe kunder med at forbedre eller bevare deres helbred. I nogle tilfælde kundens behov er rettet direkte gennem musik, i andre er de løses gennem de relationer, der udvikler mellem klient og terapeut. Musikterapi bruges sammen med individer i alle aldre og med en række betingelser, herunder: psykiatriske lidelser, medicinske problemer, fysiske handicap, sensoriske handicap, udviklingsforstyrrelser, stof misbrug, kommunikation lidelser, interpersonelle problemer, og ældning. Det er også bruges til at: forbedre uddannelse, opbygge selvværd, reducere stress, støtte motion, og lette en lang række andre sundhedsrelaterede aktiviteter.
Et af de tidligste nævner of Music Therapy var i Al-Farabi's (ca. 872 til 950) afhandling Betydningen af intellektet, der beskrev de terapeutiske virkninger af musik på sjælen.[27] Musik har længe været brugt til at hjælpe folk håndtere deres følelser. I det 17. århundrede, forskeren Robert Burtons ' The Anatomy of Melancholy fremførte, at musik og dans var kritiske i behandling psykiske sygdomme, især melankoli.[28] Han bemærkede, at musik har en "fremragende magt ... at udvise mange andre sygdomme "og han kaldte det" en suveræn middel mod fortvivlelse og melankoli. " Han påpegede, at i antikken, canus, en Rhodian spillemand, der anvendes musik at "gøre en melankolsk mand lystig, ... en elsker mere forelsket, en religiøs mand mere fromme." [29][30][31] I november 2006 , Dr. Michael J. Crawford[32] og hans kolleger fandt også, at musikterapi hjalp skizofrene patienter.[33] I Osmannerriget, sygdomme var psykisk behandlet med musik.
